REVISTA ZUM 15
Um homem amazônico
Éder Oliveira & Daniela Labra
Publicado em: 03 de janeiro de 2019
Éder Oliveira (1983) é artista paraense. Recebeu o prêmio de arte Lingener, da Alemanha, em 2016, e o prêmio Pipa de Voto Popular em 2017.
Daniela Labra (1974) é curadora de artes visuais e crÃtica de arte.
INTERNACIONALIZAÇÃO DA ARTE BRASILEIRA A PARTIR DOS ANOS 80 E A CONSTRUÇÃO DE HÉLIO OITICICA E LYGIA CLARK COMO REFERENCIAIS CANÔNICOS DESSA PRODUÇÃO ARTÃSTICA.
In: Revista Arte & Ensaios 33, 2017
https://revistas.ufrj.br/index.php/ae/article/view/11081/8690
SESC Sorocaba, Ṣo Paulo, Brasil. De 12.8 Р3.12.2017
Curadoria geral – Daniela Labra
Curador assistente – Yudi Rafael
Curadoria educativa – Fabio Tremonte
Curadoria editorial – Ana Maria Maia e Julia Ayerbe
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Frestas Trienal 2017: Entre pós-verdades e acontecimentos
A arte fura.
Esta edição de Frestas associa o nome do evento à noção de interstÃcio: um espaço-entre cheio de sensibilidade e potência criativa transformadora, onde a ambiguidade e a indefinição de conceitos, formas e modelos é explorada de modo poético e crÃtico. Enquanto o existir nas cidades parece se reduzir a dÃgitos numéricos em cenários homogêneos de shoppings, conglomerados e condomÃnios, apostamos aqui na máxima “criar é resistir”, compreendendo a prática da arte e sua fruição como singulares vias propositivas libertadoras do contexto de exaltação da produtividade, competitividade, vigilância e espetacularização da vida.
Considerando que a natureza regrada e acadêmica da arte ruiu há tempos, refletimos sobre a impossibilidade de definir Verdade na obra contemporânea, e também discutimos as narrativas polÃticas sustentadas por memes e populismos midiáticos amparados em discursos morais e dogmáticos, que ganham força e constituem parte do contexto que a própria arte espelha e reage.
O tÃtulo da mostra veio antes do termo pós-verdade ser indicado como o mais comentado na internet em 2016. O termo não é novo e seu germe já aparece em Verdade e PolÃtica (1967), de Hannah Arendt. Recentemente, ele se tornou protagonista no comentário polÃtico internacional, impulsionado pelo afã, de grandes publicações jornalÃsticas em disseminar, pela rede, opiniões como fatos consistentes que rapidamente ganham status de verdades.
Já a ideia de Acontecimento refere-se à natureza de uma Trienal, e a sua definição na antropologia e filosofia: Acontecimentos, sempre temidos e esperados, como um evento climático, militar ou polÃtico, que trazem o risco de um corte irreversÃvel com o passado, marcando transformações profundas no curso histórico e social de comunidades.
Participam da mostra artistas de diferentes nacionalidades, gerações e linguagens, cujas obras trazem questões como ambiguidades formais; transdisciplinaridade; temporalidade; performatividade; gênero e sexualidade; crÃtica social e artisticidade. Mais da metade dos projetos são comissionados e inéditos, e ocuparão o edifÃcio da Unidade além de vias públicas, outras instituições, lojas e ruÃnas históricas, criando circuitos de experiências estéticas instigantes entre o SESC e a cidade.
Daniela Labra
Todas as fotos| all pictures: Matheus José Maria
Quando a Casa Daros chegou no Rio, em 2007, o então diretor de arte-educação e pesquisa, o cubano Eugênio Valdés, afirmava que o projeto enfatizaria o lado pedagógico da arte, entendida como necessária para a formação e integração humana. O programa da futura instituição teria residências, intercâmbios, ateliês, cursos e seminários, além de exposições da coleção Daros Latinoamerica, o maior acervo privado de arte contemporânea latinoamericana na Europa, pertencente à milionária suÃça Ruth Schmidheiny. Diante do nosso cenário institucional pobre e engessado, a Daros seria uma instituição de alto nÃvel com programação de qualidade e oportunidades para o ensino artÃstico e a profissionalização do meio.
Durante 6 anos de reformas, a Casa Daros, sob a tutela de Valdés, fez boas atividades sócio-educativas e artÃsticas a portas fechadas, até inaugurar em 2013 com ênfase no programa de arte e educação, que envolveu e preparou bons profissinais do ramo, tendo realizado diferentes atividades públicas. Em menos de 3 anos foram realizadas algumas mostras, todas com curadoria do suÃço Hans Michel Herzog, e encerraram-se de sopetão as atividades do espaço sob argumentos do Conselho administrativo da coleção, que contradizem o discurso pedagógico do inÃcio. Ao invés de uma ação edificante, o que se viu foi um incrÃvel desinteresse repentino em investir socialmente na região que intitula a coleção: a América Latina.
Sequer a biblioteca, com 7mil tÃtulos, em parte espelhada na original suÃça, ficará. Por exigências de eficiência na catalogação e pronta visibilidade pública, o Conselho doará o acervo inestimável ao Metropolitan Museum de Nova Iorque, em um gesto de desrespeito com estudantes, artistas, pesquisadores e públicos latinoamericanos. Se a Sra. Schmidheiny desejasse, não teria problemas em montar – e por que não manter? – um pioneiro centro de referência em arte contemporânea latina no trópico. Mas isso não ocorreu e, ironia, o colégio de elite previsto para ocupar o casarão desprezou a chance de ter os livros. Assim, seguimos obrigados a recorrer aos EUA e Europa para pesquisarmos profundamente nossos processos culturais, tão marcados pela mão colonizadora.
A ótima coleção de arte, construÃda pelo curador Hans Michel Herzog, tem conjuntos de Antonio Dias, Ana Mendieta, Los Carpinteros, Luiz Camnitzer entre outros, cujas poéticas engajadas, conceituais e contundentes não têm empatia com a atitude irresponsável da Sra. Schmidheiny e seu Conselho.
Desmontada como um negócio caro, a Casa Daros não cumpriu seu papel, apesar dos esforços de todos os profissionais de alto nÃvel que estiveram envolvidos. Com a desaparição da biblioteca, em pouco tempo a luxuosa instituição será lenda urbana: uma empreitada excêntrica e colonialista, insustentável, que poderia ter gerado grandes frutos no mundo. Seu legado sócio-cultural será apagado logo, restando alguns bons eventos e exposições nem sempre boas, na memória de quem viu.
*Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, 11/12/2015.
A Caixa Cultural, no Centro do Rio, exibe a primeira individual do mineiro Marco Paulo Rolla, um nome importante para a arte brasileira contemporânea, em especial aquela que explora a interdisciplinariedade entre distintos campos artÃsticos. No caso deste artista, sua atuação variada pode ser compreendida como multimÃdia, uma vez que sua poética é construÃda sobre diversos suportes e linguagens, da escultura à performance, da pintura e desenho ao vÃdeo-registro.
“Cotidiano Radical” tem curadoria da pernambucana Cristiana Tejo, e reúne trabalhos realizados entre 1990-2005 – contando com a reencenação da performance “Café da Manhã”(2001-2015) na abertura, deixando o visitante curioso em saber quais caminhos artÃsticos foram tomados por Marco Paulo recentemente. No entanto, o conjunto apresentado é de grande beleza plástica e profundidade existencial/conceitual, sendo exibido de modo coerente e bem montado, capaz de driblar o problemático chão de pedra da galeria, muito chamativo, que frequentemente interefere no ambiente das exposições ali colocadas.
A mostra tem trabalhos raros como colagens fotografadas em preto e branco do inÃcio dos anos 90, e as pinturas e colagens sobre tela da mesma época, como “A Batedeira” (1991), de visualidade Kitsch e Pop, possuidoras da verve humorada, ácida e melancólica do artista, cuja atuação se destaca no meio da performance arte, também como curador e professor. Nas palavra da curadora, “a ambiência da obra de Marco Paulo Rolla é inspirada no barroco: cores quentes, dramaticidade, luz…”.
De fato, as obras selecionadas transmitem tanto o lado barroco da obra de Rolla como uma sensação de quase-escatologia e escárnio presentes nos registros da performance “Canibal” (2004) e nas instalações com porcelana e elementos orgânicos reais, como “Pano de Mesa” ou “Pic Nic”, ambas de 2000. Na primeira, uma realista toalha de mesa em porcelana está encharcada de vinho verdadeiro entornado desde uma taça, enquanto que na outra detalhes como cascas e restos de tangerina em porcelana disputam, sobre uma toalha também em cerâmica, a realidade da cena com cebolas reais e mais vinho – que apodrecem enquanto as esculturas permanecem frescas. Marco Paulo Rolla propõe um diálogo entre vanitas e a perenidade da matéria inerte, em esculturas constituÃdas de objetos do mundo, biscuit e alimentos como geléia, que reproduzem eventos passados cuja visualidade e temática são inspiradas nas naturezas-mortas de mestres da pintura. As peças confundem a percepção ganhando corpo no imaginário do público, e se colocam como reflexão sobre os limites da representação e da ficção na vida ou na arte. Para além de discutir os suportes e materiais que utiliza Rolla discute o tempo de duração das coisas, e estampa “uma ironia e uma crÃtica ao fetiche capitalista do consumoâ€, segundo Cristiana.
“Cotidiano Radical” comenta lÃrica e criticamente o banal das nossas rotinas cansativas e aparentemente sem sentido. A mostra é um todo coeso, com trabalhos cheio de detalhes a serem explorados. Não há excesso nem falta de assunto, trata-se de uma individual redonda, fruto de uma parceria entre uma curadora e um artista conhecidos pelo cuidado com que levam à público suas produções.
Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, Novembro de 2015.
A cidade do Rio de Janeiro é uma das capitais com mais instituições artÃsticas do paÃs, sejam elas de natureza privada-pública ou apenas pública, com portes e programações diversas, algumas com objetivos bem singulares. Em muitos bairros cariocas, centros culturais e museus pequenos em condições precárias representam o único meio de contato de milhares de habitantes com obras de arte. O Museu Bispo do Rosário de Arte Contemporânea, na Colônia Juliano Moreira, pertencente à prefeitura, é uma dessas instituições com parcos recursos e ambiciosa missão, cuja importância vai além do seu espaço expositivo. Batizado com o nome do ex-interno em 2000, 11 anos após a sua morte, o espaço abriga a obra plástica de Bispo, e é um pólo de cultura e memória único, instalado em uma região carente de opções culturais que vem sofrendo mudanças profundas com a urbanização impulsionada pelas OlimpÃadas.
Em 2002 o Museu Bispo do Rosário teve agregado “Arte Contemporânea” em seu nome e hoje estabelece parcerias externas, contando com uma reduzida equipe para desenvolver projetos que trabalhem “questões básicas sobre a importância do acervo de Bispo, o público-alvo, a acessibilidade e as articulações que Bispo pode fazer, por meio da arte, com diversos campos do saber, como a saúde mental, a psiquiatria, a antropologiaâ€, de acordo com a diretora Raquel Fernandes. Atualmente o curador e ex-diretor do Centro Cultural São Paulo, Ricardo Resende, cuida do extraordinário legado abrigado na instituição, ao mesmo tempo em que novas exposições de arte contemporânea que dialogam com o acervo e a memória da Colônia, começaram a ser desenvolvidas por curadores convidados, através de financiamentos oriundos de editais.
Assim surgiu a atual exposição em cartaz até Fevereiro de 2016, Um Canto, Dois Sertões: Bispo do Rosário e os 90 Anos da Colônia Juliano Moreira, com curadoria de Marcelo Campos. A mostra reúne 150 peças de Bispo do Rosário a outras 50 obras de dez artistas contemporâneos como Efrain Almeida, Caio Reisewitz, Marta Neves e Lin Lima, e ocupa diversos espaços do prédio que foi sede administrativa do complexo, como um antigo refeitório e o saguão de entrada. Entre peças do acervo e projetos especÃficos para a ocasião, o projeto comenta os dois universos centrais na vida de Bispo: a Colônia Juliano Moreira, em Jacarepaguá, onde viveu por cinquenta anos, e Japaratuba, em Sergipe, sua cidade natal, que seriam, na concepção de Campos, “os dois ‘sertões’ de Bispo do Rosárioâ€.
Atravessar a cidade ou a Zona Oeste para visitar o Museu e esta exposição é uma oportunidade para adentrar no universo delirante e poético de Bispo do Rosário e ver possibilidades de interação de sua obra com a produção artÃstica atual. Além disso, a visita nos faz ler um capÃtulo da história social do Brasil moderno, marcado pela exclusão e preconceito simbolizados nos antigos complexos manicomiais que se tornariam campos de concentração de doentes mentais em muitos paÃses. Embora a exposição não toque especificamente neste ponto, obras como a do baiano Willyams Martins, que recria metaforicamente a cela de Bispo do Rosário utilizando-se de decalques das paredes de pavilhões desativados na Colônia, nos dão uma dimensão do sofrimento e clausura experimentados lá. Ao mesmo tempo, é também possÃvel fazer um passeio até a cela que abrigou Bispo por anos, no pavilhão que ainda resiste, vazio, para ter ainda mais noção das tétricas experiências vividas pelos internos, cuja dor poucos conseguiram transmutar em criação artÃstica, como fez Artur Bispo.
Em meio a gentrificações e glorificação da indústria cultural, o Museu Bispo do Rosário é uma resistência. A Colônia, hoje em processo de desativação, vê sua área antes rural se tornar urbe e a paz ainda reinante ser cortada pela futura via expressa TransolÃmpica. Se os ventos do progresso são inevitáveis, que estes então ajudem este espaço cultural a se tornar mais conhecido e estruturado, dando ao legado de Artur Bispo do Rosário, exposto até na 55a Bienal de Veneza, o cuidado que merece e à população um Museu de qualidade.
Publicado em Jornal O Globo, Segundo Caderno, Outubro de 2015.
O Centro de Artes Hélio Oiticica apresenta a coletiva “Ãlbum de FamÃlia” sob curadoria de Daniella Géo, carioca radicada na Bélgica com atuação também no Brasil. Sendo mestre e doutora em Estudos Cinematográficos e Audiovisuais na França, sua expertise em fotografia e moving images marca esta exposição com mais de 20 artistas, brasileiros e estrangeiros, que trata da FamÃlia: instituição combalida que vem se transformando de acordo com todas as rupturas, contradições, injustiças e invenções que configuram o fragmentado e hiper-plural panorama pós-moderno.
Optando por uma abordagem abrangente e evitando clichês, a curadoria se distanciou tanto de discursos anacrônicos em defesa da idealizada “FamÃlia Tradicional”, como de bandeiras acerca de um suposto núcleo familiar politicamente correto. Em geral os trabalhos contam traumas, acontecimentos e decisões que marcaram vidas de sujeitos comuns, no mundo como nós, a quem não devemos cobrar explicações morais. Assim, não só de famÃlia fala a exposição, mas de memórias afetivas, ausências, paixões, abusos, fragmentações, distância e cumplicidade, entre outros assuntos tão complexos como delicados que formam os enredos de todas as existências e vÃnculos afetivos humanos.
“Ãlbum de FamÃlia” traz obras conhecidas internacionalmente como a videoinstalação em seis canais “Mother†(2005), de Candice Breitz, onde trechos de filmes hollywoodianos são apropriados para montar uma narrativa questionadora de estereótipos sobre maternidade e universo feminino. Outro destaque é o clássico video “The Passing” (1991), de Bill Viola, mestre da videoarte contemporânea que homenageou neste tocante trabalho sobre sua mãe no leito de morte.
A exposição reflete, sem julgar nem dramatizar, situações de famÃlias disfuncionais ou incompletas, que marcaram indivÃduos por eventos corriqueiros e difÃceis como abusos sexuais e violência doméstica, como exposto em obras como “Trauma”, de Gillian Wearing, onde se assistem, numa pequena cabine, relatos filmados de mulheres mascaradas, abusadas na infância por parentes. Já “Ray” (2015), filme do britânico Richard Billingham em sua primeira exibição fora do Reino Unido, revisita com atores o cotidiano de seu pai alcoólatra e mãe violenta. Em um procedimento próximo, o norte-americano Daniel W. Coburn apresenta fotografias encenadas com membros de sua famÃlia para rememorar a tenra juventude entre laços e afetos desequilibrados, longe do American Dream.
Dos brasileiros há veteranos como Anna Bella Geiger, com três obras entre 1974 e 2014 que indagam sobre diáspora, famÃlia, cultura e identidade, e mais jovens como o paulista Fabio Morais, cuja obra dialoga com a forma literária para inventar memórias, e Jonathas de Andrade com seus temas ligados ao povo do nordeste, sua história de lutas e tradições. Ao todos são nove brasileiros incluindo Rosangela Rennó, Ricardo Basbaum e Adriana Varejão, esta com “Em segredo” (2003), uma grande peça pintada em tela e resina que soa algo literal e destoa dos suportes “frios” da maioria dos trabalhos de aspecto tecnológico, mas que no entanto contribui bem ao tocar no tabu do aborto que envolve famÃlias, corpos femininos em risco, escolhas, perdas e amor.
A atmosfera da exposição é densa, e nesse “outro “álbum de famÃlia†proposto pela curadora o tema antigo é abordado com diversidade, indo do foro Ãntimo ao social, para indicar que talvez a maior certeza que paire sobre a instituição FamÃlia hoje é seu processo incontornável de reinvenção como possibilidade de convivência amorosa e construção de laços afetivos.
*Publicaod em Jornal O Globo, Segundo Caderno, 17/08/2015.
A Revista Número foi uma publicação independente de arte e crÃtica editada pelo antigo grupo de ‘jovens crÃticos’ do Centro Mariantonia/USP entre 2003-2010, e teve edição de 10 Números. A imagem acima é uma ilustração da capa da Número 9, cujo tema foi Infinito.
No site do Forum Permanente é possÃvel revisitar a Número e ver textos inciais de seus editores, entre eles Cauê Alves, Guy Amado, Carla Zaccagnini, Fernando Oliva, Juliana Monachesi, José Augusto Ribeiro, Afonso Luz, Tatiana ferraz, ThaÃs Rivitti ou ThaÃsa Palhares, além de vários convidados.
A Número vive online desde abril de 2006 em http://www.forumpermanente.org/rede/numero
Temporama é o tÃtulo da individual no MAM de Dominique Gonzales-Foerster, artista francesa com residência em Paris e Rio de Janeiro há 17 anos. Curada pelo mexicano Pablo León de La Barra (atual diretor da Casa França-Brasil), trata-se de um exemplo redondo de uma “boa” exposição de arte contemporânea – embora essa noção de “bom” seja difÃcil de explicar sucintamente no espaço do jornal. A mostra remonta obras realizadas no final dos anos 1980 pela artista, ao lado de poucos e importantes trabalhos recentes, e possui montagem impecável, oferecendo um percurso preciso e a construção de um texto fluido entre as peças, dispostas esparsamente pela ampla sala do Museu sem divisórias nem paredes falsas.O tempo é o grande tema, e como um prólogo somos recebidos na entrada por uma projeção, sobre uma cortina de fitas, da artista vestida como Fitzcarraldo ouvindo ópera e nos convidando a viajar pela temporalidade suspensa da sala.
Ali o visitante se depara com a imensidão do local, ocupado ao centro por uma piscina de superfÃcie azul metálica que se abre no chão negro e profundo. Em suas bordas, outro personagem nos fita: uma Marilyn Monroe com o olhar experiente de quem pôde envelhecer, encarnada de novo por Dominique, mulher de 50 anos apaixonada por literatura e escrita. Considerando esse interesse, pode-se interpretar seus ready-mades, intervenções arquiteônicas e objetos como capÃtulos de ficções plasmadas em arte visual, fundidas na materialidade do mundo.
Logo na entrada, uma vitrine traz registros fotográficos antigos das primeiras versões dos trabalhos recriados no MAM, e é tocante reconhecer na exposição essas obras cheias de fôlego, atualizadas com as propostas novas sem apelo nostálgico. Tais peças são provas de um passado que permanece presente não como memória da artista, mas como projeto e possibilidade de olhar, hoje, para um futuro a ser reinventado com sutileza e certo humor.
A instalação de Dominique é para ser percorrida e perscrutada. Ela torna o museu máquina do tempo, aplicando-lhe filtros de cor azul e vermelho nas vidraças para sugerir um efeito 3D. A luz colorida que preenche a sala dá um aspecto artificial, sintético como tudo o que se encontra ali, exceto algumas flores já murchas em um vaso sobre um rádio/relógio que emite som e marca tempo nenhum, e uma pedra que nos observa quieta. Temporama embaralha a paisagem externa, linda e caótica, no interior do edifÃcio de traçado moderno e visionário, sendo uma experiência espaço-temporal construÃda com elementos da literatura, do cinema e da arquitetura que deve ser vivida.
* Publicado em O Globo, Segundo Caderno, 6/7/2015.
No texto “Da criÌtica aÌ€s instituições a uma instituição da criÌtica†(2005), a artista norte-americana Andrea Fraser analisa como propostas artÃsticas questionadoras do sistema da arte, surgidas dentro de uma lógica de crÃtica institucional na década de 1960, se tornaram práticas festejadas e acolhidas sem atrito pelo meio da arte contemporânea. Em muitos casos, a obra de arte que critica a instituição onde se engendra ou é exposta pode levar a discussões tão grandes que tornam o evento criticado um dispositivo de consagração do artista, sua proposta e do local de exposição. Na atualidade tornou-se normal ver em museus, bienais e eventos similares, trabalhos artÃsticos que escancaram contradições polÃticas e problemas éticos de procedimentos comerciais, contratos, hierarquias, promoções e tantos elementos nada estéticos que integram a máquina de aclamação do autor e a consequente valorização dos agentes que lhe acompanham: o curador, o colecionador, o galerista, o centro cultural, o crÃtico, etc.
A exposição “Lonaâ€, do carioca Gustavo Speridião, na Galeria Anita Schwartz, na Gávea, funciona dentro dessa lógica de crÃtica institucional – embora não esteja em uma instituição. Inicialmente, a mostra pode insinuar um mal-estar quando se entra no portentoso espaço comercial e vemos enormes lonas de algodão com explÃcito conteúdo de crÃtica social e questionamentos da função social do artista, da arte e sua valorização como um objeto de consumo colecionável. Algumas lonas, em um total de 18, são colagens de panfletos e cartazes reais, de vários paÃses, com propagandas de esquerda, dizeres subversivos e estÃmulos inflamados à desobedência civil, relativos aos levantes anti-capitalismo assistidos nos dez últimos anos. Outras possuem escritos a carvão e nanquim que lembram graffitis em muros ou faixas de protesto, com dizeres como “Não temer o Mundo, mudá-lo!†ou “Se fosse bom não chamava Trabalhoâ€. Esta frase, aliás, é emblemática da própria contradição assumida por Speridião, um artista de aspirações revolucionárias que vende conscientemente sua força de trabalho e seu produto em um ambiente elitista e burguês, o qual provoca de dentro.
Há, ainda, lonas que abordam de modo mais direto uma discussão sobre a pintura. São quase-monocromos em vermelho, branco e preto, que evocam as cores predominantes das peças gráficas das manifestações, e de certo modo fazem referência à s vanguardas construtivas russas e a Bauhaus. Essas escolas estiveram ligadas a concepções revolucionárias da função da arte na sociedade e noções utópicas de práticas de trabalho coletivo no inÃcio do século XX.
Mais que ironia, o cinismo talvez seja o tom que amarra a individual de Gustavo Speridião, e isso fica claro quando, no segundo andar da burguesa galeria, nos deparamos com a imensa tela com o dizer “Maldita Burguesiaâ€. Do lado de fora, no terraço com vista para a Lagoa, um conteiner vermelho do estabelecimento exibe o único vÃdeo da exposição. Trata-se de um documentário das manifestações de 2013, com trilha sonora de punk-rock e hardcore, onde se assistem cenas cruas da emoção de manifestantes ainda não polarizados entre o azul e o vermelho, entremeadas por momentos absurdos de violência do estado em resposta à raiva explosiva de jovens irados contra tanta corrupção, mentiras do poder público e intrusões do capital privado no cotidiano.
“Lona†diz respeito ao suporte mais presente na mostra mas também pode ser um trocadilho com ir à lona, nocautear, jogar no chão. Speridião dá um soco no espaço burguês da arte, e também nas possibilidades de compreender o que é pintura contemporânea e qual a função do artista e sua força de trabalho neste mundo de tendências descartáveis. Contudo, não há ofensas. Há um contrato, um trato comercial e uma crÃtica institucionalizada assumida, mas nenhum pouco covarde.
*Texto publicado em O Globo, Segundo Caderno, 8/06/2015.
